Funkcje

12 najlepiej wyprodukowanych nagrań do przetestowania głośników

Świetna produkcja często może wydawać się mroczną sztuką. Może obejmować sprawność techniczną, rzeźbienie instrumentów w dźwiękowych bąbelkach korektora, a także może zmienić się w mistyczny szamanizm, delikatnie nakłaniając występy, podczas gdy nietypowe pozycje mikrofonowe są mnogie.

Czy świetnie brzmiący album potrzebuje nieziemskich efektów dźwiękowych? Albo długie, meandrujące ujęcia uchwycone na żywo? I czy zawsze muszą przekraczać budżet?

Oprócz długich godzin ciężkiej pracy konsekwentnie stwierdzamy, że najlepiej brzmiące albumy powstają, gdy studio nagraniowe służy jako kolejne narzędzie do uchwycenia i przekazania wizji artysty.



Na jednej liście jest zdecydowanie zbyt wiele doskonałych przykładów, ale dołączyliśmy przełomowe, kilka lśniących klasyków do sprawdzania dźwięku (uznaj to za swoje zastrzeżenie Steely Dan) i, ​​miejmy nadzieję, kilka, których wcześniej mogłeś nie uważać za arcydzieła studyjne . Spróbujmy przekonać Cię inaczej.

Rozlane mleko przez meduzę (1993)

(Źródło zdjęcia: Meduza)

We wczesnych latach 90. pop-rockowa grupa Jellyfish z Zachodniego Wybrzeża miała krótką, ale pełną wydarzeń egzystencję, zdołała wcisnąć to, co powinno być twórczym łukiem trwającym dekady, w zaledwie dwóch zawrotnych albumach. Grane mleko jest drugim i uważanym za arcydzieło zespołu, choć polecamy również jego bardziej przewiewny debiut Pępek obrót.

Łącząc zawiłe harmonie, dekadencką orkiestrację i słoneczne melodie, Grane mleko był komercyjną porażką, częściowo ze względu na jego bezwstydny kunszt w czasach, gdy autentyczność grunge'u wysuwała się na pierwszy plan.

Rzeczywiście, album jest czasem nawet oskarżany o popełnienie grzechu głównego, jakim jest „nadprodukcja”. Wybucha majestatem późnego etapu i nosi swoje wpływy na rękawie, od otwieracza Cicho - do Dźwięki zwierząt kołysanka z Dzień z życia wypaczona linia orkiestrowa – do bombastycznego rycerstwa w stylu Queen of Dołączanie do Fanklubu włączając w to ukłon w lewo do Roya Wooda w błyszczących saksofonach czających się w tle palącej gitary.

Ale to znacznie więcej niż ćwiczenie z przepychem i pastiszem. Producent Albhy Galuten (słynie z pracy nad Gorączka sobotniej nocy i tworząc pierwszą komercyjną pętlę perkusyjną) starannie uchwycił pełne brzmienie każdego instrumentu – a jest ich wiele – doskonalenie każdego z nich zajmuje kilka dni.

Tytuł albumu został wybrany ze względu na przekroczenie budżetu i opóźnienia (powracający temat na tej liście), jako Grane mleko Sesje ciągnęły się przez sześć miesięcy, podczas gdy zespół męczył się nad zawiłymi aranżacjami, powtórkami i poprawkami.

Rezultatem jest śmiały nadmiar spleciony z ironią i lekkością, gdy nagłe zmiany i nachalne bębny ustępują miejsca wybuchom chóru wokalnego. To przesyt pomysłów i dźwięków, które powinny ze sobą konkurować, a zamiast tego zachwycać.

Znajdować Grane mleko przez Meduzy na Amazon

Ciemna strona księżyca przez Pink Floyd (1973)

(Źródło zdjęcia: Pink Floyd)

Trochę banalnego otoczenia Ciemna strona księżyca i legendarny kwadrofoniczny miks Alana Parsonsa. Ale przełomowy album koncepcyjny Pink Floyd, łączący psychodeliczny rock, słowo mówione i efekty dźwiękowe, pozostaje niezwykłym dziełem, które wywarło nieunikniony wpływ na tworzenie muzyki i przemysł produkcyjny.

Mając już naciągnięte ograniczenia techniczne w swoich poprzednich dwóch albumach, Pink Floyd spędził dziewięć miesięcy 1972 roku w Abbey Road Studios, używając swojego najnowocześniejszego sprzętu, zarówno do uchwycenia muzycznej ramy rozszerzonych, studyjnych jamów na żywo, jak i do stworzenia psychologiczna paleta dźwiękowa, która pomogła ujednolicić album i służyć jego motywowi popadania w szaleństwo.

odtwarzacz multimediów strumieniowych do telewizora

Od niesamowitego nawarstwiania się taśm z wywiadami i tego mocno wyrzeźbionego bicia serca bębna basowego, otwierającego album na Mów do mnie , do rytmicznej sekwencji gotówkowej na początku Pieniądze - osiągnięto dzięki starannemu połączeniu nagrań z kasy Rogera Watersa w pętlę o długości 20 stóp, którą trzeba było zawiesić wokół statywów mikrofonowych – Ciemna strona księżyca nadal przypomina muzycy, jak wszechstronne, ekspresyjne i ilustracyjne może być studio.

Znajdować Ciemna strona księżyca przez Pink Floyd na Amazon

Zasięg Jacky'ego Terrassona (1995)

(Źródło zdjęcia: Jacky Terrasson)

Do Zasięg , akustyczne jazzowe trio fortepianowe Jacky Terrasson zostało nagrane przez Marka Levinsona (tak, że Mark Levinson ) z bliska i dokładnie tak to brzmi: trio fortepianowe w małym pomieszczeniu.

Album został nagrany w 1995 roku, pod koniec półrocznej trasy koncertowej. Terrasson, perkusista Leon Parker i basistka Ugonna Okegwo grali w tej samej przestrzeni, bez przegród, a każdy akcent i niecodzienna zmiana tempa odzwierciedla intuicyjną interakcję graczy, którzy zdają się przewidywać nawzajem każdy ruch.

Levinson zastosował technikę nagrywania z dwoma mikrofonami, przechwytując ścieżki w pojedynczych ujęciach. Spontaniczna jakość muzyki jest wzmocniona otwartą, przewiewną atmosferą; nic nie jest blisko mikrofonu i nie zastosowano kompresji.

Dynamika i subtelność mogą być wyzwaniem zarówno dla głośników, jak i dla uszu, ale to się opłaca. Słuchanie szczerego, minimalistycznego brzmienia bębnów Parkera jest szczególnie odkrywcze; barwa każdego uderzenia mieni się i dźwięczy z niesamowitymi niuansami dźwiękowymi.

Znajdować Zasięg autorstwa Jacky'ego Terrassona na Amazon

Toto IV przez Toto (1982)

(Źródło zdjęcia: Toto)

Nie powinno dziwić, że zespół złożony z muzyków sesyjnych byłby w stanie stworzyć świetne brzmienie. Jednak w 1982 roku Toto walczyli o powtórzenie komercyjnego sukcesu swojego debiutanckiego albumu i byli coraz bardziej pod ostrzałem cynicznych krytyków, którzy szydzili z nich za to, że wydają się sterylne i prefabrykowane.

Zamiast próbować gonić za uznaniem, zespół szedł po piętach, sprowadzając jeszcze więcej muzyków studyjnych, aby stworzyć dopracowaną, wielowarstwową płytę, która dała im dwa z ich najbardziej udanych singli – Rosanna oraz Afryka – i zdobył sześć nagród Grammy, w tym Producenta Roku dla zespołu.

Oczywiste jest, że każdy wykonawca na Toto IV ma niesamowite opanowanie własnej dynamiki; jak na tak nieprzyzwoicie popową płytę, jest zadziwiająco pełny zakres akustyczny i brak kompresji. Ale zespół eksperymentował również z tym, jak technologia może pomóc poprawić ich wizję, i przez cały długi proces nagrywania mieszkali w Winnebago na parkingu studia, majstrując dzień i noc.

Aby wcisnąć skomplikowane aranżacje na 24-ścieżkowe maszyny, inżynier Al Schmitt użył jednocześnie trzech oddzielnych rejestratorów z jedną ścieżką każdej maszyny z kodem czasowym SMPTE, aby wszystko było zsynchronizowane. W technice zapożyczonej od Paula Simona, po zakończeniu każdego utworu, master był kopiowany i miksowany, aby kontynuować pracę nad dogrywaniem, aby zachować integralność dźwiękową pierwszej generacji taśm.

Jeśli chodzi o miksowanie, wciąż było zbyt wiele utworów, aby zmieścić się na pulpicie dźwiękowym. Tak więc inżynier miksu Greg Ladanyi pracował w sekcjach, starannie docinając wersety i refreny w miarę upływu czasu, z zespołem ustawionym w kolejce, by przejąć obowiązki tłumików – a proces powtarzał się aż do absolutnej perfekcji.

Znajdować Toto IV przez Toto na Amazon

Nigdy za daleko Dianne Reeves (1989)

Złote oferty na Xbox Live Gold

(Źródło zdjęcia: Dianne Reeves)

Zwykle klasyfikowany jako dorosły współczesny, z werblem z późnych lat 80./początkiem lat 90. i skwierczącymi ogonami pogłosu, Nigdy za daleko szczyci się ogromną różnorodnością brzmienia wpływów afrykańskich i latynoskich, oprawionych przez potężny, wirtuozowski głos Reevesa i wspieranych przez zespół luminarzy jazzu.

Producent George Duke, który grał na klawiszach z Frankiem Zappą i wniósł syntezatory i sekwencjonowanie do Michela Jacksona Z muru, nasyca Nigdy za daleko z wyrazistym, elektrycznym elementem, z bluesowych klawiatur w Wejdź do skocznej Synclavier w Fumilayo, delikatnie włożyć do masy jak śmietana.

Tymczasem w utworach takich jak Fumilayo oraz Oczy na nagrodzie , fuzja call-and-response i funku, Duke pokazuje swój talent do łączenia złożonych tekstur rytmicznych, gdy powiązane bity i haki przeskakują razem z przejrzystością i łatwością.

Przy tak wielu konkurencyjnych stylach, to jakość produkcji i wokal Reevesa sprawiają, że cały album jest zgodny. Jej głos jest niesamowicie obecny z naturalnie otwartym dźwiękiem, który często jest spychany na krańce jej zakresu, a w rezultacie Nigdy za daleko jest pełen fachowo uchwyconych delikatnych momentów bezbronności.

Znajdować Nigdy za daleko autorstwa Dianne Reeves na Amazon

Aja przez Steely Dan (1977)

(Źródło zdjęcia: Steely Dan)

altanki i wilkins p5 bezprzewodowa recenzja

Często oskarżani o bycie handlarzami jachtowego rocka, Steely Dan są znani z obsesyjnego procesu studyjnego, ściśle prowadzącego własne sesje z wojskową precyzją.

Ta dbałość o szczegóły zdobyła nagrodę Grammy dla ich wieloletniego inżyniera Rogera Nicholsa i producenta Gary'ego Katza, a także oddanie inżynierów dźwięku na żywo, którzy polegają na swojej marce ostrego, mocno dopracowanego funku, aby sprawdzić, czy ich zestawy działają. zamówienie.

Ich reputacja patologicznego rygoru jest dobrze zasłużona. Na Właśnie , czwarty i najbardziej udany album, zespół spędził półtora roku w studiu, 13 razy remiksując album i zatrudniając ponad 40 muzyków sesyjnych z 19 różnymi gitarzystami, którzy grali na gitarze solo na Kołek .

Ale odrzucenie Steely Dan jako brzmiącego „klinicznie” byłoby pozbawieniem się niektórych z najbardziej eksperckich produkcji, jakie kiedykolwiek nakręcono. Tak, jest idealne wprowadzenie do basu na palcach Czarna Krowa i wysokie kapelusze z ciętego szkła, ale Właśnie jest też głęboko idiosynkratyczny, pełen zakrętów i dezorientujących dźwięków, takich jak minutowe solo na perkusji zamykające tytułowy utwór w wykonaniu legendarnego Steve'a Gadda, okrytego nieziemskimi syntezatorami i rogami.

W 2010, Właśnie został dodany do Krajowego Rejestru Nagrań Stanów Zjednoczonych ze względu na jego artystyczne, historyczne i kulturowe znaczenie. Nawet cztery dekady po wydaniu jest to jedno z najlepszych nagrań, jakie kiedykolwiek powstały, wykraczające poza technologię, gust i trendy.

Znajdować Właśnie przez Steely Dan na Amazon

Vespertine Björk (2001)

(Źródło zdjęcia: Bjork)

Jako producent Björk nie jest obca konstruowaniu całych światów dźwiękowych. Chociaż może mieć więcej przełomowych i awangardowych albumów, rok 2001 Wespertyna – jej pierwszy nagrany w całości na Pro-Tools – pokazuje mistrzostwo islandzkiej artystki w zakresie skomplikowanych faktur. Tworzy formę samodziałowej elektroniki, w której wzajemne oddziaływanie dźwięków syntetycznych i naturalnych tworzy architekturę introwertycznej muzyki kameralnej.

Przez trzy lata przed zrobieniem albumu Björk nagrywała odgłosy wokół swojego domu – z tasowania talii kart słyszanych na Ukryte miejsce, do stóp w świeżym śniegu Świt – i powiększył je, aby stworzyć „mikrobeaty”. Wybrano dźwięki, które zachowałyby integralność dźwiękową, nawet po pobraniu jako mp3, a większość utworów zawiera od 30 do 40 tych mikrobeatów połączonych razem w procesie, który opisała jako szydełkowanie ogromnego koca malutką igłą.

W albumie, w którym normą są elektroniczne dźwięki, ślady analogowego świata – czy to statyczne, czy trzaski Kokon , ciepłe alikwoty harfistki Zeeny Parkins czy własny wokal Björk szeptany w bliskiej odległości od mikrofonu – zapewniają mile widziane akustyczne wtrącenia z poczuciem ekstatycznej domowości i komfortu w lodowatym krajobrazie.

Znajdować Wespertyna przez Björk na Amazon

Hot Buttered Soul Isaaca Hayesa (1969)

(Źródło zdjęcia: Isaac Hayes)

Można powiedzieć, że 1968 był trudnym rokiem dla Izaaka Hayesa. Po dziesięciu latach w Stax Records jako muzyk sesyjny, producent i autor piosenek m.in. Człowiek duszy oraz NIEMOWLĘ , w końcu wydał swój debiutancki album jako artysta solowy i zbombardował.

Sam Stax był w zamieszaniu: wytwórnia z Memphis straciła zarówno największą gwiazdę Otisa Reddinga, jak i czterech członków swojego house bandu w katastrofie lotniczej rok wcześniej. Och, a umowa dystrybucyjna z Atlantic wygasła w sposób kontrowersyjny, co spowodowało utratę jego panów.

Rozwiązanie wiceprezesa Ala Bella? Aby nagrać nowy katalog wsteczny JAK NAJSZYBCIEJ. Do połowy 1969 r. zażądał 27 nowych albumów i wezwał Hayesa, aby szybko wydał następcę jego flopa. Hayes niechętnie zgodził się z zastrzeżeniem, że ma pełną kontrolę nad kreatywnością. Ten autyzm zaowocował czterema utworami, które rozkwitały przez 45 minut, łącząc nieskazitelną produkcję z bogactwem surowości, która ustanowiła precedens, który inni artyści starali się naśladować.

Hayes grał na Hammonda i śpiewał wokale na żywo, jednocześnie dyrygując nowo zreformowanym Bar Keys, przedstawiając swój występ jako pojedyncze ujęcia w procesie opisanym przez współproducenta Marvella Thomasa jako: Graj, co chcesz zagrać i baw się dobrze, robiąc to.

Ta swoboda wypowiedzi rozszerzyła się na postprodukcję. 12-minutowy przedłużony remake Burta Bacharacha Idź dalej przez został osłodzony przez dogrywanie smyczków, nagrane osobno w Detroit, aby przyspieszyć ten proces, ten crescendo i zapaść się w slinky, psychodeliczne gitary Michaela Tolesa, budujące w szaleńczy finał trwający sześć intensywnych minut.

Za wszystkie jego ekscesy, Gorąca dusza z masłem pozostaje zwartym, przekonującym, szczerym i intymnym albumem z artyzmem przenikającym każdą część procesu nagrywania.

Znajdować Gorąca dusza z masłem autorstwa Isaaca Hayesa na Amazon

Pogłoski Fleetwood Mac (1977)

(Źródło zdjęcia: Fleetwood Mac)

Aż dziw, że Fleetwood Mac zdołał stworzyć cokolwiek podczas sesji nagraniowych dla pogłoski, w obliczu rozpadających się relacji międzyludzkich i hedonistycznego używania narkotyków. Jeszcze bardziej niezwykłe jest to, że płyta stała się ich najbardziej komercyjnym albumem, znanym ze swojej czystości brzmienia i harmonijnej słodyczy.

Pomimo opery mydlanej za kulisami, w studio zespół był skrupulatny, jeśli chodzi o szczegóły, a Lindsey Buckingham co 20 minut ponownie naciągał gitarę, aby zachować rześkość tonu podczas nagrywania Nigdy więcej nie wracaj , i Christine McVie Ptak śpiewający śledzony podczas całonocnej sesji w Zellerbach Auditorium, aby uzyskać autentyczną atmosferę sali koncertowej.

Piosenki zostały napisane przez poszczególnych członków, bez współpracy, jedynym wyjątkiem jest Łańcuch który został sklecony z czterech różnych utworów. Został on prawie porzucony z albumu, zanim został wskrzeszony, po tym, jak Buckingham poprosił o połączenie go z czystą taśmą, aby dodać kultową stopę perkusji w zwrotce.

Przyjazni radiu producenci dźwięku, Ken Caillat i Richard Dashut, osiągnęli dzięki żmudnym 16-godzinnym dniom i elementowi przypadku. Przez pierwszy tydzień starali się wydobyć dźwięk z konsoli API. Caillat powiedział: Wszystko brzmiało tak, jakby miniaturowa osoba grała na tych miniaturowych instrumentach, a my właśnie wyrywaliśmy sobie włosy.

[Próbowaliśmy] wszystkiego, aby dźwięk był większy. Z frustracji skleiliśmy ze sobą nawet dwa bębny… W końcu się wkurzyłem. Powiedziałem: „Cholera, co tu się dzieje?”. I dosłownie zacząłem kręcić gałkami i po około pięciu minutach robienia tego na utworze, który próbowaliśmy wyciąć, brzmiał świetnie.

Znajdować Pogłoski przez Fleetwood Mac na Amazon

Wagner: Pierścień Nibelunga Georga Soltiego (1965)

(Źródło zdjęcia: Decca)

Jest więcej niż kilka powodów, dla których możesz nie mieć ochoty słuchać odrobiny Wagnera. Ale, jak żartował humorysta Bill Nye: muzyka Wagnera jest lepsza niż się wydaje. I nagranie Decca z Pierścień Nibelungów , prowadzony przez bezkompromisowego Georga Soltiego i z indywidualną obsadą, jest powszechnie uważany za arcydzieło.

Pierścień Nibelungów była przełomowa jako pierwsza opera kiedykolwiek nagrana w studiu i pokazała potencjał, jaki może mieć format stereo LP w udostępnianiu występów w czasach, gdy eposy były zbyt drogie, aby je regularnie montować.

czy ps5 już wyszedł?

Producent firmy Decca, John Culshaw, dostrzegł w stereo możliwości zaprezentowania słuchaczom domowym „teatru umysłu”, w którym postacie mogą przechodzić ze sceny od lewej do prawej, poruszać się do przodu i do tyłu lub uciekać, wychodząc na skrzydła.

Nagrywanie odbywało się przez dziewięć lat, od 1956 do 1965, w Sofiensaal w Wiedniu, dawnej saunie z jasnym pogłosem łazienkowym. Pomieszczenie zostało wyposażone w mikrofony z drzewa Decca, a „scena” została wytyczona jak szachownica, aby dokładnie ustawić śpiewaków.

Podczas gdy technicznie dodano efekty dźwiękowe, takie jak grzmoty czy odgłos rozpadającej się Valhalli, warunki studyjne dały Culshaw możliwość przezwyciężenia kompromisów związanych z nagrywaniem na żywo. Rozkoszował się szczegółami i historyczną dokładnością, dokładając wszelkich starań, aby odtworzyć niepraktyczną orkiestrację, którą pierwotnie określił Wagner, w tym sekcję sześciu harf, średniowiecznych rogów sterowych i 18 kowadeł, które należy uderzać w krótkich przerywnikach.

Siła i wpływ nagrania były takie, że Culshaw twierdził: Przejście kowadła i grzmot na końcu Rheingold stał się swego rodzaju międzynarodowym standardem, według którego oceniałeś jakość swojego gramofonu.

Pełna energii i niszczycielskiej dramatycznej mocy, Pierścień Nibelungów był ogromnym komercyjnym sukcesem, dzieląc miejsce na listach z Elvisem i pobudzając przemysł nagrań klasycznych.

Znajdować Pierścień Nibelungów na Amazonie

maszyna do tłoczenia płyt winylowych na sprzedaż

Odgłosy zwierzaków przez The Beach Boys (1966)

(Źródło zdjęcia: Beach Boys)

Aż trudno uwierzyć, że album powszechnie uznawany za szczyt kunsztu i wyrafinowania estetycznego mógł się tak kiepsko sprzedawać po wydaniu. Mimo to, podczas gdy bujna melancholia Dźwięki zwierząt przeszedł długą drogę do publicznej akceptacji, jego dźwiękowy wpływ był natychmiast odczuwalny – nie tylko przez Paula McCartneya, który powiedział, że Bóg tylko wie pobudziło nagranie sierż. Pieprzowy .

Brian Wilson dopracował technikę ściany dźwięku, którą stworzył Phil Spector – tak, że gdyby materiał nie był najlepszy, dźwięk byłby nośnikiem płyty – poprzez oddzielenie i rozłożenie instrumentów w celu uzyskania czystszego, mniej kakofonicznego odczucia. Jednak w tym przypadku materiał był dość mocny.

Napięte i kosztowne dziewięciomiesięczne sesje nagraniowe były zarządzane żelazną pięścią przez Wilsona, który uważał album za projekt solowy i używał ogromnej palety orkiestrowej z osławioną Wrecking Crew służącą jako kręgosłup albumu.

Wilson, który jest głuchy na prawe ucho, stworzył ostateczny miks mono w ciągu jednej dziewięciogodzinnej sesji, aby zapewnić większą spójność tego, jak ludzie będą słyszeć album, niezależnie od jakości lub umiejscowienia ich domowego systemu. I pomimo licznych reedycji puryści wciąż wierzą w tę wersję, wraz z jej dziwactwami, takimi jak słyszalne połączenie taśmy między refrenem a mostkiem Czy nie byłoby miło? i pogawędki podczas instrumentalnej przerwy Tutaj dzisiaj .

Znajdować Dźwięki zwierząt przez The Beach Boys na Amazon

Czarny album Jay-Z (2003)

(Źródło zdjęcia: Jay-Z)

Jay-Z zaznaczył swoją pierwszą emeryturę w jedyny sposób, w jaki potrafił. Stworzył definiującą epokę łabędzią pieśń, w której prawie każdy utwór wyprodukował inny luminarz lat 2000: Just Blaze, Kanye West, The Neptunes, Eminem, DJ Quik, Timbaland, 9th Wonder i Rick Rubin.

Oczywiście nie jest niczym niezwykłym, że współczesne albumy mają ogromne armie producentów. Ale ten Czarny album funkcje tutaj, ponieważ jest to jedna z nielicznych, która sprawia, że ​​każda piosenka jest dźwiękową wizytówką stylu „pokaż mi, co masz”, zachowując jednocześnie jedną podróż narracyjną.

Jest wiele szczegółów do podziwiania, od wspaniałego utworu dancehall Kanye Westa Lucyfer , stworzony u szczytu jego ery wiewiórek, z wydętym basem, z którym wielu głośników będzie się zmagać, do potężnego sampla organów w Just Blaze's Ogłoszenie publiczne.

I chociaż moglibyśmy wypełnić tę listę wyłącznie pracami Rubina, zadowalamy się wzniosłością 99 problemów . Wyjątkowy ze względu na swoją suchą, ścisłą estetykę łączącą oldschoolowy hip-hopowy kolaż (ścieżka perkusyjna jest zbudowana z sampli Mountain's Długi czerwony , Billy Squier Big Beat i Wilsona Picketta Przywróć mnie na czas, silnik nr 9 ) i prawie żadnych treści melodycznych poza kadencyjnymi tonacjami głosu Jaya, który rapuje o pułapkach sławy i nierówności rasowej.

Czarny album jest również godna uwagi ze względu na pracę produkcyjną, którą zainspirował. Jay-Z zerwał z tradycją Roc-A-Fella, by nie wypuszczać 12-calowych a cappella, otwierając furtkę dla bogactwa remiksów, z których najbardziej znanym przykładem jest transcendentny, robiący karierę mashup Dzielnej Myszy z własnym arcydziełem dźwiękowym Beatlesów. Biały album .

Znajdować Czarny album przez Jay-Z na Amazon

JESZCZE: